Con un gesto de amargura en el rostro, el ex triunfito ha declarado que el verano pasado mantuvo hasta el último momento la esperanza de ser incluido en alguno de los carteles veraniegos. “Pasaba las mañanas con el correo abierto, actualizando la página con el F5. Últimamente llevo un rollo muy de Sr. Chinarro, pero la gente está llena de prejuicios”, ha añadido.

En sus nuevas doce canciones, Bisbal asegura haber incluido numerosas referencias a grupos como Manos de Topo y Los Punsetes, de los que se confiesa un fiel admirador. “Al principio me costaba cantar tan mal, pero desde la discográfica -acaba de fichar por un sello independiente- me dijeron que eso es lo que gusta entre los modernos de hoy en día”.

Respecto a las polémica creada en torno a Bebe tras insultar a la prensa durante la presentación de su próximo disco, el cantante cree que, como muchos otros artistas, la extremeña sólo pretendía llamar la atención de los medios de comunicación con unas declaraciones impactantes y subidas de tono. “A mí tampoco me caen bien, pienso que todos y cada uno de los periodistas son basura, pero nunca me verás refugiándome en este tipo de estratagemas para ofrecer titulares escandalosos. Comparado con los Beatles soy un genio musical y eso es lo que importa”, ha señalado.

Por otra parte, el cantante ha confesado que su equipo de marketing le está asesorando para que sea capaz de ofrecer una imagen “genuinamente alternativa” en las entrevistas. “Me sugirieron que me aprendiese listas de grupos raros de memoria, o que, llegado el caso, me los inventase. La semana pasada expliqué a un periodista que mis bandas preferidas eran los Brandom Scalibur y unos alemanes de los setenta llamados Strinkfeils. Todavía me acuerdo de la cara que puso. Me admiraba de verdad”, ha recordado.

Mientras espera que revistas como Mondosonoro y Rolling Stone se pongan en contacto con él para protagonizar sus portadas, Bisbal ha recibido buenas noticias desde su sello. “Dicen que si realmente voy en serio en esto del indie pueden conseguirme un dúo con Jota, de Los Planetas. Podríamos regrabar “Un buen día”, es la única canción en la que entiendo lo que dice”, ha concluido.

Basándose en  veintitrés factores, como el volumen, el ritmo o la complejidad armónica, este grupo de científicos británicos asegura disponer de una fórmula que, después de ser probada con los sencillos británicos más vendidos de los últimos cincuenta años, ha arrojado una precisión de un 60%. “El objetivo era averiguar una ecuación que distinguiese entre un superventas y un tema de la parte baja de la lista”, reconoció a la BBC el doctor Tijl De Bie.

El estudio no sólo arrojó esta fórmula, sino que sirvió para comprobar cómo han evolucionado en el último medio siglo los criterios del público a la hora de elegir una canción. El hecho de que una melodía fuese bailable, por ejemplo, comenzó a ser una cualidad más decisiva a partir de la década de los ochenta.

“Los gustos musicales evolucionan, lo que significa que nuestra ecuación del éxito potencial también debe hacerlo. Hemos descubierto que el potencial de una canción depende de la época. Esto puede deberse a la variación del estilo musical dominante, la cultura y el entorno”, concluyó el investigador.

Fuente: NME

10.- Francesco Tristano – BachCage

A sus 29 años, este pianista luxemburgués afincado en Barcelona desde hace casi una década ha demostrado que es capaz de combinar su pasión por el Detroit Techno con álbumes como BachCage, en el que reúne piezas de Johan Sebastian Bach y John Cage. Defensor del piano como instrumento del futuro, de este músico me fascinaron, además de su música, su carácter afable y su pasión por una profesión que lleva ejerciendo desde que era apenas un adolescente. Con motivo de la Red Bull Music Academy lo entrevisté para Efe y este fue el resultado. Link Spotify.

9.- Girls – Father, Son, Holy Ghost

Los californianos Christopher y Owens y Chet “Jr” White han facturado en 2011 Father, Son, Holy Ghost, un álbum repleto de temas pop luminosos y guitarras pegadizas. Si a eso le sumamos un arranque tan contundente como el que consigue Honey Bunny, una de las mejores portadas del año y Die, un tema abrumadoramente eléctrico, nos encontramos con uno de los imprescindibles de la temporada. Link a Spotify.

8.- Beirut – The Rip Tide

No puedo ocultar que este trabajo decepcionó ligeramente las enormes expectativas que había puesto en la banda de Zachary Francis Condon tras haber caído rendido ante March of the Zapotec/Holland EP. Esperaba, iluso de mí, reencontrarme con los sonidos propios de una banda municipal que convirten la escucha de temas como La llorona o The Akara en una agradable y original experiencia. Sin embargo, The Rip Tide no es, ni mucho menos, un mal disco. Santa Fe, Goshen o Port of Call dan buena cuenta de ello. Link a Spotify.

7.- The Vaccines – What Did You Expect From The Vaccines?

Avalados como vienen por Alex Kapranos (Franz Ferdinand), la poderosa revista británica NME o Alex Turner, quien se los llevó de gira por EE.UU. junto al resto de los Arctic Monkeys, los chicos de The Vaccines sólo han necesitado un puñado de potentes canciones para convertir a What Did You Expect From The Vaccines? en uno de los mejores debuts de este año. Ritmos frenéticos, como los de Wreckin’ Bar (Ra Ra Ra) o Norgaard, combinan a la perfección con los brillantes medios tiempos de Post-Break Up Sex o A Lack Of Understanding. Link a Spotify.

6.- Kasabian – Velociraptor!

En su cuarto álbum de estudio Kasabian se enfrentaba a la siguiente disyuntiba: seguir perfeccionando el modelo de indie rock con tintes electrónicos que tan buenos resultados les dio a mediados de la década pasada (no sólo a ellos, sino a otras muchas bandas) o tratar de afianzarse con una propuesta más personal. Optaron por lo segundo, y el resultado demuestra que no se equivocaron. Sin romper completamente con su pasado, como demuestran, por ejemplo, en el tema que da nombre al disco, Velociraptor!, los británicos han presentado un producto menos perecedero que en otras ocasiones, cargado de muy buenas canciones, como Acid Turkish Bath o La Fee Verte. Link a Spotify.

5.- Noel Gallagher’s High Flying Birds – Noel Gallagher’s High Flying Birds

2011 ha sido el año en que los hermanos Gallagher han presentado sus respectivos proyectos personales tras romper en mil pedazos Oasis. Beady Eye, el grupo creado por Liam Gallagher junto a músicos de su anterior banda, fue el primero en mostrar sus cartas. Lo hizo a finales de febrero con Different Gear, Still Speeding, un disco que obtuvo tibias críticas. Meses más tarde, el 17 de octubre más concretamente, el mayor de los hermanos presentaba Noel Gallagher’s High Flying Birds, que deja pocas dudas sobre el talento compositivo de Noel. Aunque no es la colección de joyas ocultas que algunos parecían esperar, este disco merece estar por temas como Dream On o The Death Of You And Me entre los mejores de 2011. Link a Spotify.

4.- Miles Kane – Colour of The Trap

Colour of The Trap no es más que la confirmación del talento que muchos ya vislumbramos en The Last Shadow Puppets, el grupo que Miles Kane comparte con Alex Turner (Arctic Monkeys). Doce temas directos, sin adornos, conforman este trabajo en cuyas letras ha colaborado el genial cantante de los “monos del ártico”. La elegancia que destila Kane en Take The Night From Me o Rearrange hacen presagiar una carrera en solitario que habrá que seguir tan de cerca como cualquier acercamiento estre Kane y Alex Turner, pues forman un tándem insuperable. Link a Spotify.

3.- The Black Keys – El Camino

Que nadie se me eche encima, al menos de momento. Es posible que El Camino, de The Black Keys debiera aparecer más arriba, lo asumo. Pero su publicación ha sido tan tardía que todavía no sé hasta donde puede crecer este álbum en sucesivas escuchas. Consciente de que Lonely Boy está entre los tres mejores temas del año, y que otros, como Gold On The Ceiling, Little Black Submarines o Run Right Back mantienen un nivel muy alto, he decidido dar a “El Camino” una medalla de bronce con sabor a plata y destellos dorados. Link a Spotify.

2.- Arctic Monkeys – Suck It And See

Los Arctic Monkeys lo han vuelto a hacer. En 2011 han firmado, como en sus mejores tiempos, un puñado de temas brillantes. Si los miles de fieles que obtuvieron en 2006 con Whatever People Say I Am, That’s What I’m not disminuyeron con Favourite Worst Nightmare, y su fe cayó a mínimos históricos con Humbug (2009), Suck It And See es, sin duda alguna, el álbum que Alex Turner y los suyos necesitaban para sacudirse cualquier resquicio de duda sobre ellos. Suck It And See, Brick by Brick o Love is a Laserquest, temas mayúsculos todos ellos, deberían hacer plantearse a más de un tránsfuga su regreso a la parroquia de los monos. Link a Spotify.

1.- Wilco – The Whole Love

Y llegamos hasta el número de esta lista, que,  después de muchos dolores de cabeza de quien escribe, va a deparar a Wilco. “Disco para fans” o “su trabajo menos experimental” son dos de los calificativos que he escuchado sobre The Whole Love. Ni lo uno ni lo otro. Ni soy un apasionado de la banda de Jeff Tweedy ni pienso que este sea un disco de esos que entran a la primera por su sencillez. La intensidad y las guitarras distorsionadas de I Might o Born Alone, dejan espacio a temas más reposados, como Rising Red Lung o la preciosa One Sunday Morning, una canción de doce minutos de duración que cierra con maestría este álbum. Equilibrado, emocionante y complejo son algunos de los adjetivos con los que describiría un disco en el que todas las piezas encajan con maestría. A finales de octubre entrevisté a John Stirrat, bajista de Wilco y el único de los componentes originales junto a Tweedy que permanecen en el proyecto. Link a Spotify.

Varias de ellas se han unido en Librosinlibro.es. Os dejo el artículo que escribí para Efe y que reproducen diversos periódicos en sus webs:

Alberto Peñalba

Madrid, 5 oct.- Hoy ha sido presentada en Madrid Librosonlibro.es, una plataforma virtual de venta de libros electrónicos integrada por once editoriales españolas independientes que ofrece a los lectores precios reducidos, ausencia de protección DRM y la posibilidad de elegir entre varios formatos.

Iniciado hace dos años por los responsables de “Ediciones del Viento”, “Reino de Cordelia” y “Menos cuarto ediciones”, este proyecto centra su actividad en la web www.librosinlibro.es, desde donde sus clientes pueden descargar, tras un breve registro, los cerca de setenta libros que componen su catálogo en la actualidad.

Una colección que no se limitarán a distribuir desde su librería digital, sino que, como ha explicado el editor Eduardo Riestra, va a estar disponible en cadenas como La Casa del Libro o el Fondo de Cultura Económica, instituciones con las que ya han llegado a acuerdos.

Con este propósito, los impulsores de Librosinlibro.es reconocen que han comenzado las negociaciones con el gigante estadounidense Amazon, creador del lector electrónico Kindle.

Dispuestos a superar las limitaciones que imponen algunos servicios similares, sus ebooks carecen de la protección anti copia DRM y pueden ser descargados hasta cinco veces tras ser adquiridos. “El exceso de celo para que no te roben ha acabado generando problemas a los lectores”, ha señalado Riestra.

Otra de las señas de identidad de la plataforma es su particular política de precios, como mínimo un cincuenta por ciento más baratos que la versión en papel. Además, defienden que el IVA de los ebooks baje, como en el caso de los libros de papel, del 18% al 4%.

“Es absurdo creer que el libro electrónico no es un libro”, ha manifestado Eduardo Riestra, quien también ha destacado que los autores recibirán hasta un 40% de los beneficios obtenidos por las ventas de sus obras.

Conscientes de la multitud de dispositivos de lectura digital disponibles en el mercado y recordando que su idea parte de los contenidos, los editores asociados han convertido sus catálogos a dos formatos: epub y mobipocket.

Rompiendo con la idea de lo costosa y compleja que resulta la conversión a este tipo de archivos, Manuel Rodríguez, encargado de los aspectos tecnológicos del proyecto, ha señalado que ésta se puede realizar en cuarenta y ocho horas por menos de doscientos euros.

El gremio de libreros, uno de los más afectados por la popularización del ebook, también será protegido por esta iniciativa, según el editor Jesús Egido.

Para ello facilitarán la venta de códigos de descarga desde las propias librerías físicas, manteniendo el papel de prescriptor del librero. Tampoco descartan añadir junto a la versión en papel descuentos para la compra del mismo libro en la web.

A pesar del “desconocimiento brutal” sobre estas tecnologías que ellos mismos achacan a la industria española y los “mil impedimentos” que ponen algunos agentes, ya se han adherido a Librosinlibro.es once editoriales, a las que se sumarán otras próximamente.

En la actualidad la web cuenta con mil usuarios registrados y desde su apertura a finales de agosto ha vendido cuatrocientas obras.

“¿Va a perjudicar al libro de papel el ebook? No, su verdadero enemigo es la falta de cultura”, ha concluido Eduardo Riestra.
(Agencia EFE)

Entrevista realizada para la Agencia Efe.

Madrid, 20 ago.- Inmerso en la promoción de su nuevo álbum, “Black and White America”, que saldrá a la venta el 22 de agosto, el cantante y compositor Lenny Kravitz confiesa en una entrevista con Efe que su sonido bebe de distintas fuentes y afirma: “sólo hago música, no pienso de donde proviene”.

Con más de veinte años de carrera, 35 millones de discos vendidos y cuatro premios Grammy en su haber, el músico estadounidense considera que la diferencia entre “Black and White America” y sus predecesores reside en su propia evolución como persona. “Es diferente porque yo soy diferente”, recalca.

Grabado en su mayor parte en una pequeña comunidad de las Bahamas, este disco está, en su opinión, muy influido por el ambiente que le rodeó durante el proceso, porque cada trabajo “representa un cierto periodo de tiempo, como un diario”.

Lejos de esas paradisiacas islas del Caribe, Kravitz también trabajó en París, donde, además de “escuchar los nuevos temas” en un “ambiente urbano” y realizar labores de producción, grabó su sensual y minimalista “Liquid Jesus”.

Respecto al contenido de las letras de este CD, señala que fueron escritas después de ver un documental que abordaba el problema del racismo en Estados Unidos con la llegada de Barack Obama al poder.

Tras recordar los insultos racistas que sufrieron sus padres en la década de los sesenta, Kravitz dice que “no es cierto” que el problema esté superado en su país natal, ya que “muchas personas” siguen “aferrándose a sus viejas ideas”.

Igual que en entregas anteriores, el creador de temas como “Fly Away” o “Are You Gonna Go My Way”, ha tocado varios instrumentos mientras estaba en el estudio. “En algunas canciones toco todos y en otras la mayoría. Disfruto con ello”.

Motivado por “una nueva energía”, el roquero estrena casa discográfica con su noveno álbum de estudio, Roadrunner/Atlantic, que sustituye a su anterior sello, Virgin.

Otra de las novedades es la participación del rapero Jay-Z -”siempre es fantástico colaborar con él”- en una de las canciones, “Boongie Drop”, inspirada, según explica, en las mujeres bahamesas que bailaban mostrando parte de sus cuerpos, sin importarles los estereotipos de belleza creados por los medios.

Ese mismo espíritu impúdico queda reflejado en el videoclip de “Stand”, el primer single de “Black and White America”, en el que el cantautor representa diferentes personajes.

Inspirado en “los concursos de televisión” que veía con su abuela, Kravitz confiesa haberse divertido mucho grabando junto a su amigo y director Paul Hunter.

Más serio fue su papel en “Precious”, la película de Lee Daniels en la que dio vida a un enfermero, una vena interpretativa que va a seguir desarrollando con su papel en “The Hunger Games”, una adaptación de la novela homónima de Suzanne Collins, que está rodando en la actualidad.

Coincidiendo con la llegada a las tiendas de su nuevo CD, Lenny Kravitz iniciará en octubre una gira europea en la que recorrerá ciudades como Londres, Berlín, Viena y París.

“Espero que sean geniales”, comenta de unos espectáculos que prevé llegarán a España en una segunda etapa, ya en 2012.

Sobre el futuro, asegura que su música “se va a ir abriendo más y más” y que el público va a poder escucharle “como nunca antes” lo había hecho.

“Pienso que los primeros veinte años de mi carrera han sido una gran experiencia, pero ahora quiero expresarme de verdad”, concluye.

Lejos de los estratosféricos (y subvencionados) carteles de otros festivales, plagados de estrellas internacionales, el evento arandino presentaba una propuesta más modesta: sin tanto sol (al menos en teoría), sin playa y con grupos de casa, como La habitación roja, Dorian, Dos bandas y un destino o Niños Mutantes, pero con muchos otros atractivos de los que el mercado de festivales, absorto en contratar a grandes estrellas a precios desorbitados, debería tomar nota.

Y Art de Troya, la asociación cultural que lo organiza desde hace catorce años, lo volvió a lograr. Las 10.000 personas que cada día se congregaron en el recinto descubrieron, o revivieron, un festival que, como su director, Javier Ajenjo, no se cansa de repetir, es diferente a todos los demás. Lo es porque ningún otro posee un escenario en el centro de la ciudad por el que quieran pasar todas las bandas a horas intempestivas, por dar a conocer la gastronomía de la tierra y, sobre todo, por haber forjado un estilo, una marca, de la que forman parte artistas del nivel de Xoel López o Nacho Vegas, que no se cansan de volver año tras año porque saben que aquí juegan como locales.

Si a esos nombres propios, que suman varias ediciones a sus espaldas, les añadimos nuevas promesas de la escena independiente nacional y un puñado de grupos internacionales de caché más bajo (que no de menos calidad) el resultado no puede ser otro que el que hemos presenciado.

El jueves, día de puertas abiertas, comenzó con unos animados La Sonrisa de Julia, que, a pesar de tocar bajo un sol de justicia y enfrentarse a un escaso público, ofrecieron un excelente espectáculo, en el que su cantante, Marcos Cao se dejó la piel en temas como Loco o Bipolar.

Después de Eladio y los seres queridos, un grupo que desconocía y que tendré que seguir más de cerca, llegó el momento del ex cantante de Los Ronaldos, Coque Malla, que, acompañado de una eficiente banda, se presentaba como uno de los platos fuertes de la noche. No fue mala, ni mucho menos su actuación, pero su repertorio, que habría brillado en cualquier teatro, pasó sin pena ni gloria entre un auditorio que sólo se emocionó con No puedo vivir sin ti, que está pasando una segunda juventud tras sonar en un anuncio de Ikea.

Sin parecerme un gran grupo ni antes ni después de su directo, hay que reconocer el mérito de Miss Caffeina, que puso a bailar a miles de espectadores por primera vez en el Sonorama de este año.

El último concierto que pude escuchar esa noche fue el de La Frontera, esa formación de finales de los ochenta que más de uno imaginaba desaparecida. Grandes músicos como son, ofrecieron una generosa ración de rock sureño, que no fue suficiente para atraer a un público que todavía no tenía uso de razón cuando sus éxitos sonaban en las radios españolas. Ni El límite, ni Juan Antonio Cortés resucitaron un concierto que muchos abandonaron antes de tiempo.

Sé que fue un error, pero por cuestiones de trabajo esa noche me perdí a Triángulo de amor Bizarro y a Sex Museum, que, a tenor de lo leído en Twitter, fueron los triunfadores de la primera noche en tierras ribereñas.

A continuación incluyo las cuatro crónicas que envié como redactor de la Agencia Efe:

-Jueves: “Miss Caffeina le gana el pulso a los noventa en la primera noche del Sonorama”

-Viernes: “Viejos conocidos del festival triunfan en la segunda jornada del Sonorama”

-Sábado: “Xoel López se reencuentra con un Sonorama al que Supersubmarina puso a bailar”

-Domingo: “Amaral se lanza “hacia lo salvaje” en el cierre del Sonorama”

12 jul.- Tras más de cien millones de discos vendidos y con 42 años de carrera a sus espaldas, Robert Lamm, vocalista de la banda de jazz rock Chicago, se muestra humilde y asegura que quieren “seguir mejorando como músicos” porque, cuanto más aprenden, más conscientes son de “todo lo que ignoran”.

En una entrevista concedida a Efe con motivo de su gira española, Lamm relata los orígenes de un grupo de rock que comenzó a fraguarse en 1967, cuando la mayoría de sus miembros estudiaba música en la ciudad de la que posteriormente tomarían su nombre.

“Empezamos a ensayar juntos y nos dimos cuenta de que teníamos un sonido único”, recuerda con nostalgia de unos años desde los que todavía se mantienen en el grupo, además de él, otros tres músicos: James Pankow, Lee Loughname y Walt Parazaider.

Con ellos, confiesa, mantiene una “relación muy íntima, casi como de hermanos” y, aunque viven en diferentes partes de los EEUU, siguen compartiendo su gran amor por la música.

Una pasión a la que Robert Lamm responsabiliza de que, tanto tiempo después, Chicago siga en activo. “Sentimos amor por la música, los conciertos, por componer y grabar”, comenta.

De ahí que escuche música de muy diferentes estilos. Bandas como Phoenix, Foo Fighters o artistas como Lady Gaga, a cuyo espectáculo asistió recientemente, que combina con muchas composiciones electrónicas.

Un panorama musical del que destaca el cambio que se ha producido en la industria, que, en su opinión, antes “ayudaba a los nuevos grupos a promocionarse”. Función que, en un mundo dominado por las nuevas tecnologías, cada vez asumen más los propios músicos.

Inmerso en una enorme gira mundial, Robert Lamm explica que en sus próximas actuaciones realizarán, durante dos horas, una retrospectiva a su carrera que incluirá “todos los éxitos” que han publicado.

A finales de este año, cuando por fin abandonen la carretera, los componentes de Chicago tienen pensado volver al estudio para preparar un nuevo disco que, según Lamm, podría aparecer en 2012. “Preferimos las viejas fórmulas de grabación”, añade.

Pero, paralelamente, la banda estadounidense mantiene otros proyectos, como la producción del álbum de los “New York Latin All Stars”, que versiona canciones de la legendaria formación, o la grabación de “A christmas tree”, un conjunto de canciones navideñas en clave de pop.

Por su parte, el vocalista también tiene pensado ampliar su carrera en solitario con un nuevo trabajo, que, en sus propias palabras, podría ver la luz este mismo año.

Y también hay tiempo para proyectos solidario, como en el que ahora están inmersos: la recaudación de fondos para la investigación del cáncer de mama, que incluye propuestas como la subasta entre sus seguidores de la posibilidad de cantar el tema “If You Leave Me Now” en uno de sus directos.

Tras su concierto de este martes en el Festival de Jazz de San Javier, Chicago actuará el jueves en los Veranos de la Villa de Madrid y al día siguiente en el festival Jardins de Cap Roig, que se organiza en Girona.

De ahí este post, la primera parte de una recopilación de los diez discos que más han marcado mi experiencia universitaria. Por decisión propia, he dejado fuera álbumes temporalmente muy distantes. Quizás más adelante los recupere.

En esta primera parte, presento los cinco discos internacionales que más me han influido. El orden es meramente cronológico y no obedece a ningún otro criterio.

1. Franz Ferdinand – Franz Ferdinand (2004)

Cuando salió a la venta todavía estudiaba primero de bachiller, el 90% de lo que escuchaba era rap y en mi círculo de amigos nadie tenía ni la menor idea de quiénes eran estos escoceses. Por suerte para mí, el encargado de la discoteca de mi primera residencia en Madrid tenía un excelente gusto musical y me los recomendó.

“Jacqueline” y su estribillo, que tantas veces habré “cantado”, me atraparon.

It’s always better on holiday
So much better on holiday
That’s why we only work when
We need the money

Pero este disco contiene muchas más joyas, como “Take Me Out”, “The Dark Of The Matinée”, “Michael” o “Come On Home”, que hacen del directo de Franz Ferdinand uno de los más potentes que he visto (su actuación en el Festival de Benicasim en 2009 fue memorable).

Link a Spotify.

2. Arctic Monkeys – Whatever People Say I Am. That´s What I´m Not (2006)

La crítica en Tentaciones, aquel suplemento sobre cultura juvenil que publicaba El País, reducido y convertido en la actualidad al casi testimonial Ep3, decía algo así como “Arctic Monkeys, lo mejor que le ha pasado a la música desde que se descubrió que la sordera no iba a impedir seguir componiendo a Beethoven”. Una poderosa afirmación que enseguida quise comprobar por mí mismo.

Todavía recuerdo los temas que me pasó por MSN, sí en esa época todavía lo usábamos, @willyaranda: The View From The Afternoon, Mardy Bum o Fakes Tales Of San Francisco, y pienso que, sin ellos, probablemente no me hubiese acercado tan pronto a muchas de las bandas inglesas que hoy escucho.

Whatever People Say I Am. That´s What I´m Not se trata de uno de los discos más redondos que he escuchado y, en mi modesta opinión, ninguno de los trabajos que el grupo ha publicado posteriormente ha conseguido superarlo.

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3. Babyshambles – Shotter´s Nation (2007)

¿Es Pete Doherty un gran músico o debe su fama a la polémica que ha rodeado su carrera? Ambas afirmaciones son correctas porque, aunque mucha gente sólo conoce de él sus escandalos con las drogas o su relación con Kate Moss, no debemos olvidar que el chico de los trajes negros ajustados y los sombreros lanzó con The Libertines cortes como Can’t Stand Me Now, Time For Heroes o Don’t Back Into The Sun; repitió la hazaña con temas de la calidad de Fuck Forever o Delivery en Babyshamble; y publicó en 2009 Grace/Wastelands, un disco en solitario con el que demuestró, una vez más, su potencial a la hora de componer.

Probablemente Shotter’s Nation sea el disco más actual que conservo en formato físico, aunque apenas lo he escuchado en CD. La culpa la tuvo un invento que llegaría poco después a España: Spotify.

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4. MGMT – Oracular Espectacular (2007)

El mismo año que la banda de Doherty publicaba el que es, hasta el momento, su último álbum, conocíamos a este dúo estadounidense formado por Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser. Reconozco que nunca me había sentido atraído por los ritmos electrónicos, pero MGMT tenía algo que me gustaba: sonaba completamente distinto a todo lo que había escuchado y, aún así, resultaba muy accesible.

Time To Pretend, Weekend Wars, Kids… temas con una frescura especial que han sabido conservar en Congratulations (2010).

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5. Morrissey – Greatest hits (2008)

A simple vista, el Saturday Night Fiber (SNF), mini festival madrileño impulsado por los organizadores del FIB, fue un fracaso: el lugar elegido no fue el más idóneo, la asistencia no fue masiva y ya pocos se acuerdan de un evento que sólo tuvo una edición. Sin embargo, analizándolo con más detenimiento, nos encontramos con que, aquel caluroso 19 de julio de 2008,  asistimos a una serie de conciertos espectaculares, como los de My Bloody Valentine, Mika o Morrissey, que volvía a la capital veintitrés años después.

No os voy a mentir, yo estaba allí para ver a Babyshambles, y Pete no estuvo mal, pero esa noche Mozz jugó en una división superior. Ataviado con una camisa rosa y rodeado de músicos con camisetas amarillas, el ex líder de The Smiths realizó un derroche de energía más digno de un veinteañero que de alguien con una carrera tan extensa a sus espaldas.

Asombrado por su actuación, busqué hasta dar con su Greatest Hits, un recopilatorio que reúne canciones tan sobresalientes como First Of The Gang To Die, Irish Blood, English Heart, You Have Killed Me, o Let Me Kiss You, que, lo reconozco, toca mi fibra sensible.

Link a Spotify.

Nos vemos en la segunda parte.